如何掌握好副旋律的写法,并运用到编曲中,使得即使副旋律很多的编曲整体听上去也会舒服,不会杂乱且不和谐？( 三 )

副旋律可以是点状的。也可以是线状的。
点状是什么概念呢。比如吉他的solo 。钢琴的加花
线状你可以理解为长线条。整块的东西。比如整个弦乐组。
之前有回答过弦乐副旋律的编写。这个就是块状的。线状的东西。贴一下之前的回答。
我自己比较喜欢从小提开始。这样就会更自由。不受下方太多的束缚。更能发挥你的想象力。所以说我觉得小提的旋律灵感是占据大部分。其实听歌听多了你会发现很多歌都有微妙的共同之处。比如说小提进副歌的时候可能会来个琶音。拉到很高的声部。然后走长音。这时候不和人声抢拍。有的歌是不走琶音。直接很高的音进入。还有一个就是最好不要让它一直走长音。在人声疏密的时候可以写的密集些。楼主都可以自己尝试一下。加一些过渡音。或者和弦内音多些节奏的变化。可能会有意想不到的效果。当然要仔细画表情。再就是还有一个原则是空拍的地方是乐器开始骚的时候。
然后就是弦乐有几种形态。有的是不断上行。有的是不断下行。有的是循环往复走两个音。怎么写好听就看个人审美了中提的话我通常给它走内声部。不会让他乱跑。前提是你的和声不能错。当然还是一句话：好听是首要的。流行的弦乐不要太受束缚。当然也不要乱写。
再个就是弦乐不是独立的。有的地方切分节奏是和各个乐器相互配合的。切分可以给你的歌曲添色。合适的时候可以用用的。比起出现什么东西(what/how) 。更重要的是何时出现(when) 。为什么出现(why) 。在主题首次出现的时候 - 主歌1 - 你加个和弦琶音都会显得突兀。而在曲子结尾之前所有乐器都进来的时候。你随便加superimposition或者半音fill可能都没关系。
其实。在设计的时候更多是音乐概念在听感上的评估。大概在以下三个维度上做一些平衡。
Familiarity（熟悉度？）。出现过的片段比完全陌生的片段更容易被接受。并且可能会被听者归类成“一个大概念” 。而非一系列不相关的音符。这样哪怕有对位甚至音阶上的冲突。听者也会相比于新旋律动机给予更多的包容。
Tension（谐和度？）。择音的谐和度决定了这个段落的听感的凸出程度。越不谐和的择音越会抓取听众的注意力。但同时不谐和的择音更容易建立倾向感。
Powerlevel（当前起伏度？）。就是之前说开头别乱加。结尾随便加。但不是所有的曲子都拥有powerlevel全部的范围还有什么风格啊。配器啊之类的因素可能会影响择音方式。但对思路影响不是很大。
有空看心情补充。
这个说难也难但其实道理也很简单。虽然我也一直还在摸索。但是我一直秉承一个简单的原则。那就是靠耳朵多听已经写出来的部分。
好的副旋律既要结合和弦音也要有9、11、13音穿插其中为人声和原有和声基底增添色彩的层次感。听起来仿佛就像要做数学题一样需要深思熟虑去计算、去搭配。实则不然。你只用靠自己的耳朵多听。去感受你在制作的这段音乐已经呈现出的效果即可。
然后就把自己的人声当作一轨乐器。尝试在已有的基础上即兴地唱出来。往往你会惊喜地发现自己能唱出律动贴合已有音乐部分且旋律音符合和声规律又增添色彩的副旋律。你可以多练习这个技巧。多尝试几次。录到满意的人声轨了再去找来你想用的乐器去替换掉唱这一旋律的人声。当然这个技巧也是需要多多练习的。它锻炼的是你依靠耳朵创作的能力。你听过那么多音乐那么多种和声。就算你没有时间一一把你听过的音乐都分析一遍。你的耳朵其实已经在潜意识里记下了这些知识。成为你的听觉记忆。那么靠着耳朵。感受律动地去创作副旋律可以冲破很多你已经知道的创作定式。
这个靠耳朵创作旋律的技能说白了本质就是即兴的技能。通过它。旋律创作不再是一系列“数学问题” 。它把音乐创作化作一股冲动。而这其实也更接近“先创作后分析”这一音乐创作的本质。而不是分析完自己可以用的技法再去选择怎么用。毕竟靠着乐感诱发出的创作冲动所创作出的东西在很多时候是难以被分析的。而“分析”也本来是后人对音乐强加的归纳总结。所以不用想那么多。先交给自己的耳朵看看。
我看了一下挺多别的答主回答到练习复调。我觉得也有道理。拥有了复调的基础可以增强旋律创作能力。毕竟复调是锻炼人完全以旋律思维去写多声部和声流（感觉貌似是我自己编的词）的能力。我记得我学复调的时候也是同样先写即兴唱出来的副声部。再去分析和声走向。然后一整首曲子不断改到旋律线独立度正好以及和声走向都ok的时候就算完成了。确实是很好的练习。